Dans l’installation ER=EPR, deux vortex, mouvements de fluides tourbillonnant autour d’un même axe, dérivent dans une masse d’eau, frappant la surface, une lumière projette au-dessus de nous deux trous noirs encerclés de halos chatoyants. Dès que le lien entre les vortex se rompt, les tourbillons se dissipent. Le titre de l’oeuvre fait notamment référence à une hypothèse récente proposée par les cosmologues Juan Maldacena et Leonard Susskind s’appuyant sur deux articles écrits au XXe siècle. Le sigle « EPR » désigne la théorie de l’intrication quantique élaborée et présentée en 1935 par Einstein, Podolsky et Rosen, qui se définit comme un phénomène physique par lequel deux objets distants se retrouvent liés et dépendants l’un de l’autre quelle que soit la distance qui les sépare. Tandis que « ER » évoque la théorie dite du « Pont Einstein et Rosen » théorisant les « trous de ver », objets hypothétiques qui formeraient un raccourci à travers l’espace-temps et permettraient un voyage spatio-temporel. Une invitation à l’exploration d’autres mondes possibles…

Au travers d’installations et de performances hypnotiques, Evelina Domnitch et Dmitry Gelfand créent des environnements sensoriels immersifs mêlant physique, chimie et informatique. Animé par la nécessité de comprendre le monde qui nous entoure et de nous en faire observer toute sa poésie, le duo d’artistes puise son inspirationdans le domaine scientifique et sublime par les arts visuels des phénomènes physiques qui nous sont habituellement imperceptibles. Si la lumière est centrale dans leur processus de création, l’eau est également présente dans l’installation Hydrogeny qui offre à voir les réactions de l’hydrogène au contact d’une électrode et d’un rayon laser dans un aquarium rempli d’eau déminéralisée. Sous l’effet de l’électrolyse, des milliers de petites bulles remontent lentement à la surface, traçant des volutes irisées et colorées.

Alliant sculpture et nouvelles technologies, l’oeuvre de Félicie d’Estienne d’Orves met en scène la lumière et ses perceptions au travers d’environnements brumeux et lumineux et d’installations imprégnées de références célestes et astrophysiques.

Avec son approche très spécifique de la lumière et sa capacité à créer des expériences optiques troublantes et hypnotiques, Félicie d’Estienne d’Orves nous propose de vivre ici, à l’échelle humaine et le temps de l’exposition, un phénomène rare d’astrophysique : le cycle de vie d’une supernova, de l’explosion d’une étoile à la naissance de la matière, à sa propagation puis sa détonation de radiations et de fréquences lumineuses et sonores surpassant souvent toute une galaxie. Composée de fumée, de lumière et de son, Supernova trouble notre perception et interroge la frontière entre l’espace physique et l’immatériel, entre le palpable et l’imperceptible.

Collaboration initiée avec Fabio Acero, docteur en astrophysique. Musique : Laurent Dailleau

L’oeuvre de Félicie d’Estienne d’Orves est empreinte de références célestes et astrophysiques. À travers cette installation immersive réalisée à partir d’images prises par les sondes de la NASA, Continuum, montre un coucher de soleil sur Mars, illustré par une musique composée par Éliane Radigue. Félicie d’Estienne d’Orves rend ainsi hommage à la pionnière de la musique électronique en proposant d’écouter pendant près d’une heure « Koumé », la troisième partie de la Trilogie de la mort, oeuvre de la compositrice réalisée en 1998 et inspirée du Bardo Thödol, le livre tibétain des morts.

Le bardo désigne dans le bouddhisme tibétain les limbes présentes entre la naissance et la renaissance, entre l’éveil et le sommeil. Le paysage conçu par Félicie d’Estienne d’Orves permet aux visiteurs d’évoluer dans un univers martien, en expérimentant différentes phases et couleurs qui se déploient progressivement de l’orange au crépuscule. Le titre, Continuum, introduit l’idée d’un éternel recommencement et d’une expérience cyclique de la vie.

En immersion, les visiteurs sont invités à la contemplation, bercés par la composition minimaliste d’Eliane Radigue. Eliane Radigue, née en 1932, compositrice, pionnière de la musique électroacoustique est une figure singulière dans le paysage des musiques expérimentales actuelles. Elle concentre l’essentiel de son travail sur les potentialités sonores qu’offrent les premiers synthétiseurs. Sa musique représente une influence incontournable pour toute une nouvelle génération de compositeurs et de musiciens, en France comme ailleurs.

Avec Flat Earth Society, le duo d’artistes traduit les données topographiques du globe terrestre en vibrations sonores en faisant graver sur un disque vinyle les informations d’altitudes et de reliefs. Les rotations du disque lisent progressivement les reliefs des continents : y figurent les Alpes, les Andes, l’Himalaya, les steppes d’Asie centrale, la vallée du Rift… La gravure de ces informations fait apparaître une image de la Terre sur la surface du disque, le titre évoque alors les platistes qui défendent le fait que la terre soit plate.

Dans le cadre de l’exposition D’un soleil à l’autre, LAb [au] dévoile une installation inédite qui capture les rayons cosmiques, particules de haute énergie circulant dans le milieu interstellaire, pour les rendre visibles et audibles.

OMG fait ainsi référence à la particule « Oh My God », rayon cosmique d’ultra haute énergie. Invisibles à nos yeux les rayons cosmiques traversent notre atmosphère, les roches et les bâtiments. Ici ils sont capturés et mesurés grâce aux tubes Geiger-Müller suspendus dans la salle. Instruments de mesure inventés au XXe siècle, ils permettent de transcrire les niveaux d’énergie des rayons cosmiques en sons diffusés ensuite dans l’espace d’exposition. Chaque capteur est relié à un tube cathodique, familier pour ceux qui se souviennent des anciens postes de télévision, émettant un halo lumineux bleu et rouge fluorescent dont l’intensité varie selon l’énergie des rayons cosmiques.

L’installation rend ainsi visible l’invisible, un sentiment d’autant plus troublant que les murs en béton armé de la Base sous-marine, épais de plusieurs mètres semblent tout arrêter, même le temps.

Invitée à produire une oeuvre dans le cadre de l’exposition D’un soleil à l’autre, Eva Medin crée avec Storm - Square un univers à la fois inquiétant et fascinant, sous la forme d’un paysage jouant sur des effets lumineux, aquatiques et sonores. Les infiltrations d’eau présentes dans la Base sous-marine deviennent la matière première pour créer un espace évanescent ouvrant sur un paysage infini, mélancolique et fantasmagorique.

Déployant un vocabulaire du théâtre, du cinéma et du trucage, Eva Medin transforme cet espace en un diorama (installation qui, à partir de jeux de lumière, donne l’illusion de la réalité et du mouvement), que le public est amené à expérimenter de différents points de vue.

Immersive et déroutante, Space Odyssey bouleverse notre rapport à l’espace et au temps. En nous plongeant au coeur d’un faisceau lumineux, cette installation nous situe dans un espace dans lequel les distances deviennent élastiques, l’équilibre précaire et les points de vue démultipliés. Le travail d’Étienne Rey explore les notions d’espace, de déplacements et de perception et met en jeu dans ses installations les phénomènes physiques à partir de la matière lumineuse.

La traversée de Space Odyssey, en référence au film de Stanley Kubrick de 1968 est un voyage dans un espace constitué de lumière et de son, un passage sensoriel et immersif dans lequel le visiteur est invité à déambuler. En offrant la possibilité de vivre une expérience à la fois physique, mentale et conceptuelle, Étienne Rey interroge nos sens et poursuit ainsi les travaux expérimentaux des artistes de l’art optique et cinétique initiés au XXe siècle.

Brilliant Noise est le résultat d’un long travail d’étude, de recherche et de collecte. Après avoir examiné et rassemblé une multitude d’archives informatiques provenant de satellites orbitaux et rendues accessibles par la NASA, Semiconductor réunit des images inédites pour recréer les mouvements de l’astre solaire. Ces images, conservées dans leur forme originelle et brute, révèlent une surface solaire tourbillonnante. Source d’énergie puissante et infinie, le Soleil y est montré telle une constellation de champ de force entre éruptions, vapeurs et gaz dansant à sa surface. La bande son, très présente, intensifie cette force cosmique.

Par la création de connexions entre la matière, le son et l’image, le duo d’artistes brouille les distinctions entre phénomènes perceptibles et imperceptibles et nous place comme observateurs d’un univers en perpétuel bouillonnement.

Portant un intérêt particulier pour les relations entre art et science, Flavien Théry tire son inspiration des expériences emblématiques d’exploration interplanétaires et pose avec son installation The Last trip la question d’un imaginaire spatial perdu.

Dès la fin du XIXe siècle, les astronomes préconisent l’utilisation de la lumière et de l’électricité pour communiquer avec les extraterrestres. C’est l’inventeur Charles Cros qui théorise une véritable méthode de codage du contenu en flash lumineux. Ici, le rythme des impulsions lumineuses qui parcourent la barre de verre, composée d’uranium, correspond aux sons, musiques et paroles enregistrés sur le Voyager Golden Record. Ce disque a été embarqué sur les sondes spatiales Voyager lancées en 1977 (et qui poursuivent aujourd’hui leur course aux frontières du système solaire) pour témoigner de l’humanité, communiquer et signaler notre présence à une potentielle civilisation extraterrestre.

Les sondes Voyager, telles des « bouteilles à la mer interstellaires », constituent aujourd’hui une trace de notre existence terrestre perdue dans l’espace.

Avec l’installation Inverted relief (The Candor Chasma’s flying carpet), Flavien Théry offre aux visiteurs la possibilité d’observer au plus près le sol martien.

Réalisée à partir d’une image satellitaire de la planète Mars issue de la banque de données de la NASA, la tapisserie a été conçue par les ateliers d’Aubusson grâce à un procédé numérique. Pouvant être lue et parcourue en tous sens, l’image se révèle de manière inversée une fois que le visiteur se munit de lunettes anaglyphes : ce qui était alors saillant devient creux et inversement.

Le titre de l’oeuvre, Inverted relief (relief inversé) fait ainsi référence à un phénomène géologique, l’inversion du relief, causé par l’érosion des reliefs qui conduit les sédiments situés au fond d’une vallée à se retrouver des millions d’années plus tard en relief et surplombant le paysage.

Plongé dans l’obscurité, le visiteur fait face à deux gongs vibrant au gré des fréquences émises par le Soleil, transcrites grâce à une connexion Internet, traitées et filtrées par un programme informatique et retransmises par des audio-transducteurs. Attractifs, presque hypnotiques, ces deux disques de bronze lumineux produisent un chant qui varie d’intensité au fil des heures et des saisons. Souhaitant travailler avec le monde qui nous entoure et jouer avec les forces de la nature, Stéphane Thidet se réapproprie les éléments naturels pour leur donner une forme simple et épurée. Avec l’installation D’un soleil à l’autre, il s’attache à brouiller les pistes de la réalité en donnant à entendre des éléments non saisissables et maîtrisables comme les ondes électromagnétiques du Soleil et en proposant ainsi une vision teintée de poésie.

Remerciements : Jim Sky - Radio-Sky Publishing - Dick Flagg - RF Associates LLC